L'art du désespoir

L'art du désespoir
 

Un ballon de 42 mètres de haut parcourt le monde avec son visage dans ses mains en ce moment. Parfois, lorsque l'air est bas, les épaules de la silhouette s'affaissent un peu, ajoutant un affaissement misérable.

Le ballon a été réalisé par l'artiste américain KAWS, à partir d'un personnage appelé « Compagnon ». Pour le moins, KAWS et son compagnon sont tous les deux très célèbres. Ses figurines de jouets sont à la fois MTV VMA awards des souvenirs pour les riches, peuvent être achetés pour Rs 5000 et sont mentionnés dans les chansons des membres de BTS. Présent, pourtant, il est absolument partout, le Compagnon est une figure étrange.

D'une part, cette caricature de Mickey Mouse a des croix pour les yeux (mais est par ailleurs vivante) et d'autre part, elle est souvent assez triste pour être représentée allongée sur le ventre ou assise chiffonnée, avec sa tête profondément enfouie dans ses mains. Qu'un tel personnage – si vivement balancé par les marées de l'époque actuelle – ait réussi à gagner suffisamment en popularité pour plusieurs éditions de ventes de jouets et un deuxième tour du monde sous forme de ballon témoigne du fait qu'en art, le désespoir a des preneurs.[19659010]Le KAWS : Ballon des Fêtes. Photo : @rkrkrk

Peu de production artistique tient compte de la profondeur de la souffrance dont nous avons été témoins ces derniers mois. Même maintenant, des nouvelles de perte et de privation arrivent chaque jour. La dévastation a été absolue et malgré un impératif culturel de continuer à espérer, l'art a pu mesurer aussi la fin de l'espérance.

Qui sont ces compagnons vers qui nous tourner et qui peuvent nous tenir un miroir grande angoisse ?

Sans surprise, un candidat émerge en Vincent Van Gogh. Réalisé en 1882, Worn Out n'est qu'un crayon sur papier. Pourtant, dans un style qui est au secours de tant de personnes, Van Gogh donne un Néerlandais dans une maison de charité à un chagrin brut et vécu.

Vincent van Gogh, « Worn Out » (1882). Photo : Instagram/vangoghmuseum

Comme la figure de KAWS ci-dessus, cet homme du 19ème siècle que Van Gogh a dessiné ne souhaite pas voir plus loin. Il a eu avec le monde, sans raison immédiate, et son indolence est absolue.

Huit ans plus tard, et deux mois avant sa mort, Van Gogh acheva la peinture à l'huile de cette lithographie, donnant à ce désespoir une couleur torride. Il s'appelait finalement Worn Out: At Eternity's Gate.

Ce désespoir n'est ni une protestation ni un simple chagrin, est évident dans le Family Group (1984-1986) de l'artiste britannique Celia Paul. Le tableau représente la mère de Paul et ses quatre sœurs assises sur un lit. Paul a mentionné la peinture dans sa pièce stupéfiante 'Diary' dans la London Review of Booksdans laquelle elle a examiné très attentivement comment son art et sa vie auraient été avec et sans les influences de son ancien partenaire, l'artiste Lucian Freud, et de sa coterie d'admirateurs.

Le « Groupe de famille » de Celia Paul.

Les cinq femmes de la peinture intime sont accablées, et ce n'était en aucun cas un portrait de famille de joie. Mais ce sont les visages de deux des sœurs de Paul à droite qui ne prétendent pas communiquer autre chose que la dévastation complète. Le soleil brille, à travers les coups amples de Paul, directement sur les visages tristes de ses sœurs. L'étroitesse de la pose de la famille amène un nouvel émerveillement quant à la façon dont une telle souffrance a pu être écrite avec une telle clarté sur les visages humains.

L'angoisse de la sœur de Paul se reflète dans un autre visage qui n'occupe pas le centre d'un séminal. La peinture. L'angoisse à un moment d'une importance sublime est également écrite en gros sur les deux personnages à côté de Jésus-Christ dans l'un de F.N. Les nombreuses œuvres ‘Crucifixion‘ de Souza. Ce désespoir combat l'impératif biblique de garder la foi dans le style révélateur de Souza, affirmant une fois de plus que là où il y a une telle souffrance, il y a peu de raisons d'espérer.

F.N. « La Crucifixion » de Souza. Photo : Instagram/theindianartobserver

Ce n'est pas comme si le découragement n'avait pas occupé les artistes depuis très, très longtemps. À la fin du XVIIIe siècle, le sorcier suisse des ombres et lumières Johann Heinrich Füssli a peint un artiste affligé de sa propre incapacité perçue à rivaliser avec les plus grands dans le bien nommé « Le désespoir de l'artiste devant la grandeur des ruines antiques ».

'Le désespoir de l'artiste devant la grandeur des ruines antiques' par Johann Heinrich Füssli. Photo : Wikimedia Commons

Un vase de 530 av. J.-C. a Ajax penché sur son épéearmure écartée. Et pourtant, un héros mythologique grec a un but et une apparence d'agence que les gens qui font la queue dans l'Inde d'aujourd'hui ne peuvent qu'espérer. Pour cette immédiateté du but, nous devons nous tourner vers une source d'art aussi vieille que le temps – Instagram.

Peu de gens n'ont pas vu une histoire Instagram « boulangerieprasad ». La clarté de la déclaration de l'artiste ambedkarite Siddhesh Gautam délivre des messages brutaux et la force de son activisme chasse toute obtusité de son travail. Pourtant, son point de vue sur l'aliment de base de Dali « La désintégration de la persistance de la mémoire » met le blâme là où il est dû et trouve un moyen de refléter la dévastation étrange provoquée par les séries de morts et l'apathie du gouvernement.

« Briques et pyres : le Désintégration de la persistance de la mémoire », 2021. Photo : Instagram/bakeryprasad

Dépourvus de tout contexte, les personnages au crayon de l'artiste Sara Hagale sont coincés dans une angoisse hallucinante alors qu'ils marchent, lisent et s'assoient à différents stades d'affaissement.

Un des dessins Instagram de Sara Hagale. Photo : Instagram/shagey_

Chaque jour qui passe apporte une nouvelle prise de conscience sur l'intensité de notre condition de vie particulière, l'art se dresse comme un rappel constant de l'universalité du désespoir. Sur les réseaux sociaux et sur des toiles centenaires, le chagrin humain survit de manière unique.

Le moine au bord de la mer de Caspar David Friedrich. Photo : Wikimedia Commons

La peinture ci-dessus du 19ème siècle représente un moine debout près d'une mer agitée, l'air autour de lui descendant. La courbe du corps du moine et l'absence de toute profondeur pour donner du relief à son regard torturent le spectateur et représentent à la fois une caractéristique innée de notre désespoir – le sentiment qu'il s'agit d'une oppression sans fin.